Le Roi Soleil - Король-Солнце

Объявление

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » Le Roi Soleil - Король-Солнце » Музей Искусств. » Барокко - стиль Эпохи Короля-Солнца


Барокко - стиль Эпохи Короля-Солнца

Сообщений 1 страница 4 из 4

1

Отправлено: 06.09.08 13:25. Заголовок: Барокко - стиль Эпохи Короля-Солнца

Барокко
Материал из Википедии.

Баро́кко (итал. barocco — «странный», «причудливый»; порт. perola barroca — «жемчужина неправильной формы»; существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Франция. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Именно эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации».

[li]Барочный человек.

Барочный человек отвергает естественность, которая отождествляется с дикостью, бесцеремонностью, самодурством, зверством и невежеством — всем тем, что в эпоху романтизма станет добродетелью. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса. Она на каблуках.

А идеалом мужчины в эпоху барокко становится джентльмен — от англ. gentle: «мягкий», «нежный», «спокойный». Изначально он предпочитал брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета. В эпоху барокко естественность — это синоним зверства, дикости, вульгарности и сумасбродства. Для философа Гоббса естественное состояние (англ. state of nature), которое характеризуется анархией и войны всех против всех.

[li] Барокко характеризует идея облагораживания естества на началах разума. Нужду не терпеть, но «благообразно в приятных и учтивых словах предлагать» (Юности честное зерцало, 1717). Согласно философу Спинозе, влечения уже составляют не содержание греха, но «саму сущность человека». Поэтому аппетит оформляется в изысканном столовом этикете (именно в эпоху барокко появляются вилки и салфетки); интерес к противоположному полу — в учтивом флирте, ссоры — в утончённой дуэли.

[li] Для барокко характерна идея спящего Бога — деизм. Бог мыслится не как Спаситель, но как Великий Архитектор, который создал мир подобно тому, как часовщик создаёт механизм. Отсюда такая характеристика барочного мировоззрения как механицизм. Закон сохранения энергии, абсолютность пространства и времени гарантированы словом Бога. Однако, сотворив мир, Бог почил от своих трудов и никак не вмешивается в дела Вселенной. Такому Богу бесполезно молиться — у Него можно только учиться. Поэтому подлинными хранителями Просвещения являются не пророки и священники, а учёные-естествоиспытатели. Исаак Ньютон открывает закон всемирного тяготения и пишет фундаментальный труд «Математические начала натуральной философии» (1689), а Карл Линней систематизирует биологию в «Системе природы» (1735). Повсюду в европейских столицах учреждаются Академии Наук и научные общества.

[li] Многообразие восприятия повышает уровень сознания — примерно так говорит философ Лейбниц. Галилей впервые направляет телескоп к звёздам и доказывает вращение Земли вокруг Солнца (1611), а Левенгук под микроскопом обнаруживает крошечных живых организмов (1675). Огромные парусники бороздят просторы мирового океана, стирая белые пятна на географических картах мира. Литературными символами эпохи становится путешественники и искатели приключений: капитан Гулливер и барон Мюнхгаузен.

[li] Эпоха барокко
Эпоха барокко порождает огромное количество развлечений ради развлечений: вместо паломничеств — променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров — «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий — театр и бал-маскарады. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука.

Эпоха барокко отвергает традиции и авторитеты как суеверия и предрассудки. Истинно все то, что «ясно и отчётливо» мыслится или имеет математическое выражение, заявляет философ Декарт. Поэтому барокко — это ещё век Разума и Просвещения. Не случайно слово «барокко» иногда возводят к обозначению одного из видов умозаключений в средневековой логике — к baroco. В Версале появляется первый европейский парк, где идея леса выражена предельно математически: липовые аллеи и каналы словно вычерчены по линейке, а деревья подстрижены на манер стереометрических фигур. Впервые одетые в униформу армии эпохи барокко большое внимание уделяют «муштре» — геометрической правильности построений на плацу.

[li] Черты барокко
Барокко, тяготевшее к торжественному «большому стилю», в то же время отразило представления о сложности, многообразии, изменчивости мира. Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно — тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).

Мировоззренческие основы стиля сложились, как результат потрясения, какими были в XVI в. Реформация и учение Коперника. Изменилось утвердившееся в античности представление о мире, как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке, как о разумнейшем существе. Человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем» по выражению Паскаля, «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

[li] Барокко в живописи
Основная статья: Барокко в живописи

Караваджо «Давид и Голиаф»В живописи барокко характеризуется динамизмом, «плотскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — Рубенс, Караваджо.

[li] Барокко в архитектуре

Карло Мадерна Церковь Святой Сусанны, РимДля архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко — теламон(атлант), кариатида, маскарон.

В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556—1629 гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение — фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.). Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620 г. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения. Значительный вклад оставили Д.Фонтана, Р.Райнальди, Г.Гварини, Б. Лонгена, Л. Ванвителли, П. да Кортона.

Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария-делла-Витториа (1645—1652 гг.).

Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (тогда Фландрии), Нидерландах, России, Франции. Испанское барокко, или по местному чурригереско (в честь архитектора Чурригеры), распространившееся также в Латинской Америке. Наиболее популярный памятник его — собор в Сантьяго де Компостела, является также одним из наиболее почитаемых верующими храмов Испании. В Латинской Америке барокко смешалось с местными архитектурными традициями, это — самый вычурный его вариант, и называют его ультрабарокко.

Во Франции стиль барокко выражен скромнее, чем в других странах. Раньше считалось, что здесь стиль вообще развития не получил, и памятники барокко считались памятниками классицизма. Иногда употребляют термин "барочный классицизм" применительно к французскому и английскому вариантам барокко. Сейчас к французскому барокко причисляют Версальский дворец вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец, здание Французской Академии в Париже и др. произведения. Они действительно имеют некоторые черты классицизма. Также и в Англии, здесь к этому стилю относят работы архитектора Иниго Джонса и др. Характерной чертой стиля барокко является регулярный стиль в садово-парковом искусстве, примером которого является Версальский парк.

Позже, в начале 18 в. французы выработали свой стиль, разновидность барокко, — рококо. Он проявился не во внешнем оформлении зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели, живописи. Стиль был распространен повсюду в Европе и в России.

В Бельгии выдающимся памятником барокко является ансамбль Гранд-Плас в Брюсселе. Черты барокко имеет дом Рубенса в Антверпене, построенный по собственному проекту художника.

В России барокко появляется еще в XVII веке («нарышкинское барокко», «голицынское барокко»), в XVIII веке получает развитие в творчестве Д. Трезини, так называемое «петровское барокко», более сдержанное, и достигает расцвета в творчестве Б. Растрелли. В Германии выдающимся памятником барокко является Новый дворец в Сан-Суси (авторы — И. Г. Бюринг, Х. Л. Мантер) и Летний дворец там же (Г. В. фон Кнобельсдорф).

Самые крупные и знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль(Франция), Петродворец(Россия), Аранхуэс(Испания), Цвингер(Германия).

[li] Барокко в литературе
Писатели и поэты в эпоху барокко воспринимали реальный мир как иллюзию и сон. Реалистические описания часто сочетались с их аллегорическим изображением. Широко используются символы, метафоры, театральные приёмы, графические изображения(строки стихов образуют рисунок), насыщенность риторическими фигурами, антитезами, параллелизмами, градациями, оксюморонами. Бытует бурлескно-сатирическое отношение к действительности. Для литературы барокко характерны стремление к разнообразию, к суммированию знаний о мире, всеохватность, энциклопедизм, который иногда оборачивается хаотичностью и коллекционированием курьёзов, стремление к исследованию бытия в его контрастах(дух и плоть, мрак и свет, время и вечность). Этика барокко отмечена тягой к символике ночи, теме бренности и непостоянства, жизни-сновидения(Ф. де Кеведо-и-Вильегас, П. Кальдерон). Известно высказывание Кальдерона:"Жизнь есть сон". У Т.Тассо в поэме «Ринальдо и Армида» рыцарь Ринальдо порывает с Армидой(символом чувственности), так как видит свой долг в борьбе с врагами. Развиваются и такие жанры, как галантно-героический роман(Ж. де Скюдери, М. де Скюдери), реально-бытовой и сатирический роман(А. Фюретьер, Ш. Сорель, П. Скаррон). В рамках стиля барокко рождаются его разновидности, направления: маринизм, гонгоризм(культеранизм), консептизм(Италия, Испания), метафизическая школа и эвфуизм(Англия)(См.Прециозная литература).

Действия романов часто переносятся в вымышленный мир античности, в Грецию, придворные кавалеры и дамы изображаются в виде пастушков и пастушек, что получило название пасторали (Оноре д’Юрфе, «Астрея»). В поэзии процветают вычурность, использование сложных метафор. Распространены такие формы, как сонет, рондо, кончетти(небольшое стихотворение, выражающее какую-нибудь остроумную мысль), мадригалы. Популярно восхваление светских дам.

На западе в области романа выдающийся представитель — Г.Гриммельсгаузен(роман «Симплициссимус»), в области драмы — П. Кальдерон(Испания). В поэзии прославились В. Вуатюр(Франция), Д.Марино(Италия), дон Луис де Гонгора-и-Арготе(Испания). В России к литературе барокко относятся С. Полоцкий, Ф. Прокопович, ранний М.Ломоносов. Во Франции в этот период процветала «прециозная литература». Культивировали ее тогда, главным образом, в салоне мадам де Рамбуйе, одном из аристократических салонов Парижа, наиболее модном и знаменитом. В Испании барочное направление в литературе получило название «гонгоризма» по имени виднейшего представителя(см. выше).

Стиль барокко развивается параллельно двум другим направлениям — классицизму и реализму, как в литературе, так и в изобразительном искусстве.

[li] Музыка барокко
Основная статья: Музыка барокко
Барочная музыка появилась в конце эпохи ренессанса и предшествовала музыке эпохи классицизма.

[li] Барочная мода
Этот раздел не завершён. Вы можете помочь проекту, исправив и дополнив его.

Мода эпохи барокко соответствует во Франции периоду правления Людовика XIV, второй половине 17 века. Это время абсолютизма. При дворе царили строгий этикет сложный церемониал. Костюм был подчинен этикету. Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли французскую моду. Это был век, когда в Европе установилась общая мода, а национальные особенности отошли на задний план или сохранились в народном крестьянском костюме. Европейские костюмы носили также и в России, до Петра I, некоторые аристократы, хотя не повсеместно.

Костюму были характерны чопорность, пышность, изобилие украшений. Идеалом мужчины был Людовик XIV, "король-солнце", искусный наездник, танцор, стрелок. Он был низок ростом, поэтому носил высокие каблуки. Он один имел право носить красные каблуки.

Сперва, когда он был еще ребенком(он был коронован в возрасте 5 лет), в моду вошли короткие курточки, называемые брасьер, богато украшенные кружевами. Тогда же в моду вошли штаны, ренгравы, похожие на юбку, широкие, также обильно украшенные кружевами, которые продержались долго. Позже появился жюстокор(с французского это можно перевести:"точно по корпусу"). Это - тип кафтана, длиной до колен, в эту эпоху его носили застегнутым, поверх него носили пояс. Под кафтан надевали камзол, без рукавов. Кафтан и камзол можно сопоставить с более поздними пиджаком и жилетом, в которые они превратятся через 200 лет. Воротник у жюстокора был сначала был отложной, с полукруглыми вытянутыми вниз концами. Позже его сменило жабо. Кроме кружев, на одежде было много бантов, на плечах, на рукавах и штанах - целые серии бантов. В предыдущую эпоху, при Людовике XIII, были популярны сапоги(ботфорты). Это - полевой вид обуви, их носило обычно военное сословие. Но в то время были часты войны, и в сапогах ходили повсюду, даже на балах. Их продолжали носить и при Людовике XIV, но только уже по прямому их предназначению, - в поле, в военных походах. В гражданской обстановке на первое место вышли туфли. До 1670 года они украшались пряжками, затем пряжки были вытеснены бантами. Сложно украшенные пряжки называли аграф.

Женское платье было в отличие от платья предыдущего периода, не на каркасе, а на подкладке из китового уса. Оно было уже, плавно расширялось к низу, сзади носили шлейф. Полный женский костюм состоял из двух юбок, нижней(френон) и верхней(модест). Первая - светлая, вторая - более темная. Нижняя юбка была видна , верхняя расходилась в стороны от нижней части лифа. По сторонам юбку украшали драпировки. Драпировки были также и по краю декольте. Декольте было широким, открывало плечи. Талия - узкая, под платьем носили корсет. Если при Людовике XIII женщины носили мужские шляпы(они тогда заимствовали у мужчин много элементов костюма), то сейчас в моду вошли прически, легкие косынки или чепчики. В 1660-е годы модны были прически манчини и севинье, по имени племянницы кардинала Мазарини, в которую король был в юности влюблен, и по имени знаменитой писательницы. Позже в моду вошла прическа фонтанж(не следует путать с чепчиком "фонтанж)", по имени одной из любовниц короля. Это высокая прическа, из множества локонов. В истории костюма прическу также именуют куафюра(из фр.)

Мужчины носили пышные парики, высоко торчащие вверх, и низко распускавшиеся по плечам. Парики вошли в обиход еще при Людовике XIII, который был лыс. Теперь они стали намного пышнее. Шляпы в 1660-е годы были широкополые с высокой тульей. В конце века их сменила треуголка, которая осталась популярной и в следующем, 18 веке.

В моду также вошли зонтики, у женщин - муфты, веера. Без меры использовалась косметика. Появились мушки, лица и парики пудрили для белизны, а черная мушка создавала контраст. Парики были так сильно напудрены, что шляпы тогда часто носили в руках. Как мужчины, так и женщины, носили трости. Перевязь(бандульера), на которой носили шпаги, вошла в моду еще в предыдущую эпоху. Еще раньше шпаги носили на портупее, тонком ремешке, пристегнутом к поясному ремню. Перевязь была прежде кожаной, теперь ее делали также из муара. Материалы того времени: шерсть, бархат, атлас, парча, тафта, муар, камлот, хлопок.

Источники:
М.Н. Мерцалова. Костюм разных времен и народов. Том 2, СПб, 2001.
Огюст Расине. Иллюстрированный атлас истории моды. М.:Эксмо, 2007.
Герман Вейс. Истоия культуры народодов мира. М.:Эксмо, 2005.

Использованная литература
Новая российская энциклопедия, том 2, М.,2005.
Изобразительное искусство. Музыка(справочник),М.:"Современник", 1997.
Краткий словарь литературоведческих терминов, ред. С. В. Тураев, Л. И. Тимофеев, М., 1978.

2

Отправлено: 08.02.13 13:05. Заголовок: В качестве продолжен..

В качестве продолжения темы:

ЭПОХА БАРОККО (1600-1730 гг)

Часть I

Словом «барокко» называют ряд историко- региональных художественных стилей европейского искусства XVII- XVIII вв (1600-1730). Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Именно эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «Западной цивилизации». Для барокко характерны: грандиозность, пышность и динамика; патетическая приподнятость; интенсивность чувств; пристрастие к эффектными зрелищам; совмещению иллюзорного и реального; сильные контрасты масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6433/8348743.1c/0_a4a36_e7c6e86b_M.jpg

Свернутый текст

«Когда неистовый Микеланжело открыл свой сикстинский потолск и занялся капитолийскими постройками, новый стиль - Барокко - был создан». Большую часть росписи плафона Сикстинской капеллы в Ватикане Микеланжело «приоткрыл», сняв леса в 1509 году - это был самый пик «Высокого Возрождения» в Италии. Великий Микеланжело мощью и экспрессией своего индивидуального стиля в один миг разрушил все привычные представления о «правилах» рисунка и композиции. Написанные им на потолке могучие фигуры зрительно «разрушили» отведенное для них изобразительное пространство; они не соответствовали ни сценарию, ни пространству самой архитектуры.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4125/8348743.1c/0_a4a37_308d7c83_M.jpg

Самый знаменитый опус монументализации декора создал «гений Барокко» - Дж.Л. Бернини (1598-1680). В интерьере собора Св. Петра в Риме над гробницей Апостола Петра он возвел огромный, непомерно увеличенный шатер - киворий в 29 м высотой (1624-1633). Издали шатер из черненой и позолоченной бронзы на четырех витых колоннах с «занавесями» и статуями из нефа собора кажется всего лишь игрушкой, причудой убранства интерьера. Но вблизи - ошеломляет и подавляет, оказываясь колоссом нечеловеческих масштабов, отчего и купол над ним кажется безмерным как небо. По мере продвижения человека к средокрестию и алтарю меняется, растет пространство. Витые колонны кивория ввинчиваются ввысь, купол возносится на головокружительную высоту, свет струится, статуи нависают и в определенный момент человек начинает себя чувствовать совершенно раздавленным, потерянным перед сверхчеловеческим, чудовищным масштабом увиденного.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4133/8348743.1c/0_a4a38_f65a196a_M.jpg

Бернини гордо заявлял, что в скульптуре он подчинил себе форму, «сделав мрамор гибким, как воск и этим смог в известной мере объединить скульптуру с живописью». Этот художник то привлекает, то отталкивает, а то и совершенно раздавливает своей мощью и невыносимо грубыми эффектами. В знаменитой композиции «Экстаз Святой Терезы», в капелле церкви Санта Мария делла Витториа (1647- 1652), тяжелый мрамор фигур, пронизанный льющимися сверху потоками света, кажется парящим, невесомым. Скульптурная группа превращается в мистическое видение. Бернини - мастер художественной мистификации. Этот художник соединял мраморы разных цветов, а тяжелые детали из позолоченной бронзы - одеяния фигур - развиваются по воздуху, словно не существует силы тяжести. Происходит дематериализация форм. Это также одна из характерных черт стиля Барокко.

http://img-fotki.yandex.ru/get/5637/8348743.1c/0_a4a39_34de7fa7_L.jpg

Одно из основных стилистических течений итальянского Барокко называется «стиль иезуитов», или трентино. Его возглавлял архитектор, живописец, скульптор и теоретик искусства, член ордена иезуитов А. Поццо (1642 год, Тренто – 1709 год, Вена). Этот художник - автор росписи плафона церкви Св. Игнатия в Риме (1684). Тема композиции - «Апофеосис» - обожествление, вознесение главы ордена иезуитов Игнатия Лойолы на небо. Роспись поражает иллюзорностью и, одновременно, мощью фантазии, религиозной экстатичностью. Это произведение Поццо считается одним из шедевров перспективной живописи, а самого художника называют “Микеланджело перспективы”. «Плафонные росписи» - излюбленный вид искусства Барокко. Потолок или поверхность купола позволяли создавать средствами живописи иллюзионистические декорации колоннад и арок, уходящих ввысь, и «открывать» небо, как в гипетралъных храмах античности, с парящими в нем фигурами Ангелов и святых, повинующихся не законам земного тяготения, а фантазии и силе религиозного чувства. Это переживание хорошо выражено в словах самого И. Лойолы: «Нет зрелища более прекрасного, чем сонмы Святых, уносящихся в бесконечность».Поццо также расписал фресками кафедру и apse, изображающими сцены из жизни Игнатия.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4127/8348743.1c/0_a4a3a_8d4c8117_L.jpg

На первое место выходит категория «величественного», она обозначается латинским словом «sublimis» - высокий, крупный, возвышенный. В парадных живописных портретах эпохи Барокко постоянны укрупненные, утяжеленные формы роскошных мантий, драпировок, архитектурный фон. Стандартные аксессуары: колоннады, балюстрады, летящие гении Славы, античные жертвенники, и фигуры портретируемых в рост, уподобленные монументам, породили название - «большой статуарный стиль». Известными мастерами такого стиля были А. Ван Дейк и Дж. Рейнолдс в Англии, Ш. Лебрен и И. Риго во Франции.

http://img-fotki.yandex.ru/get/5635/8348743.1c/0_a4a3b_99064ca6_M.jpg

Идеи барочной организации больших пространств рождают колоссальные ансамбли площадей с фонтанами и египетскими обелисками, перспективами улиц, аллей садов и парков, украшенных каскадами, водоемами и статуями. Площадь перед собором Св. Петра в Риме, площадь Согласия в Париже, Версаль, Петергоф и Сан-Суси, несмотря на все различия, - порождения одной эпохи Барокко. Все эти ансамбли построены на театральном эффекте неожиданных контрастов, смены впечатлений: кулисы, «задник», внезапно открывающиеся перспективы.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4125/8348743.1c/0_a4a3c_b86335ac_M.jpg
Площадь св. Петра в Риме

«Плебейское» течение в Риме олицетворял гений Караваджо. Хотя в целом искусство самого Караваджо и его последователей - караваджистов, не тождественно стилю Барокко, сочетание мистичности с натурализмом, экспрессия и динамика, мощь и осязательность форм порождены этим стилем.В Венеции XVIII в. свой «живописный театр», не без влияния Барокко, создавали Дж. Гисланди, Дж.- Б. Тьеполо, Ф. Гварди, Каналетто. Многие из живописных идей стиля Барокко по-своему решал гениальный одиночка Рембрандт.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4129/8348743.1c/0_a4a3d_c1d18fc_M.jpg

Под влиянием Испании стиль Барокко развивался во Фландрии, с 1609 года оказавшейся под властью испанской короны. Центром своеобразного фламандского барокко стал г. Антверпен, а его олицетворением - гений П. Рубенса. Другие фламандские живописцы - Д. Тенирс, Ф. Снейдерс, Я. Иордане, Ф. Хале, - хотя и были связаны с малыми голландцами, демонстрировали отличный от голландского стиль пышной, стихийно- материалистичной, сочной живописи. Рубенс, как и положено гению, стоял особняком и демонстрировал более изысканный, аристократически-утонченный стилью. Показательным памятником стиля фламандского барокко в оформлении интерьера является дом Рубенса в Антверпене, построенный им по своему проекту и любовно восстановленный жителями города.

http://img-fotki.yandex.ru/get/5635/8348743.1c/0_a4a3e_3ee14e61_M.jpg

Шедевром иллюзионизма в стиле католического Барокко является архитектурно- скульптурная композиция Успение Богоматери в алтаре монастырской церкви в Pope, созданная в 1717- 1725 гг. братьями Асам, Космасом и Эгидием. В Вюрцбурге, где находилась резиденция католического епископа, с 1711 года работал архитектор Б. Нойманн. Он создал пышный и бурный, насыщенный декором стиль немецкого барокко с элементами орнаментики, близкой французскому Рококо. Плафон вестибюля епископской резиденции в Вюрцбурге, возведенной по проекту Нойманна, расписал известнейший мастер фрески Джованни Батиста Тьеполо (5 марта 1696, Венеция - 27 марта 1770, Мадрид).

http://img-fotki.yandex.ru/get/4123/8348743.1c/0_a4a3f_12beb6a4_M.jpg

Архитектор М. Пёппельманн и скульптор Б. Пермозер были главными создателями выдающегося памятника искусства немецкого барокко - дворца Цвингер в Дрездене (1710- 1728). Пёппельманн - также автор проектов замка Морицбург и дворца Пильнитц. В Берлине А. Шлютер возвел королевский дворец (1698- 1706) в стиле более сдержанного северного Барокко (во время второй мировой войны дворец разрушен). Барокко в Пруссии - более рациональное и конструктивное, отчасти под влиянием Франции, эволюционировало в сторону Рококо, как это видно на примере дворца и парка Сан-Суси в Потсдаме, творения Г. В. фон Кнобельсдорффа (1744- 1753).

http://img-fotki.yandex.ru/get/6424/8348743.1d/0_a4a40_635f0e67_M.jpg

Английским барокко считают искусство периода правления Якова I Стюарта, стили «Реставрации Стюартов» и «Марии» (времени правления Вильгельма Оранского и королевы Мэри), т. е. почти все семнадцатое столетие. Английский стиль был эклектичным, включал в себя элементы Классицизма и традиционной английской готики. В этом отношении показательно творчество архитектора К. Рена, создателя грандиозного собора Св. Павла в Лондоне (1675- 1710), и его ученика Н. Хоуксмура, завершавшего строительство Госпиталя в Гринвиче (1664- 1728).

http://img-fotki.yandex.ru/get/6429/8348743.1d/0_a4a41_3c0926d1_M.jpg

Замок Хауэрд, Великобритания. Начатый в 1699 году Касл Хауэрд считается одним из самых утонченных частных особняков в стиле барокко. Он был выстроен по инициативе Чарльза Хауэрда, третьего эрла Карлайля, двумя архитекторами - сэром Джоном Ванбру и Николасом Хоксмуром.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6446/8348743.1d/0_a4a43_8b798231_M.jpg

Новое архитектурное великолепие требовало не менее эффектной обстановки. С точки зрения формы итальянская мебель XVII века отличалась скульптурными и архитектурными принципами. Она была крупной по масштабу, ее в изобилии украшала объемная резьба с листвой и человеческими фигурами, созданными под прямым влиянием скульптуры. Большой кабинет, или stippone, был продукцией в основном мастерских великого герцога во Флоренции. Кабинеты украшались дорогими материалами, вроде эбенового дерева, pietra dura и позолоченной бронзы. Кабинет, сделанный в 1677 году для великой герцогини Тосканской, является законченным выражением итальянского барокко. Мода на архитектурные детали не замедлила сказаться на внимании к колоннам и балюстрадам, а миниатюрные скульптурки отражают превалирующий интерес к классическим формам. Натуралистические фигуры и картины свидетельствуют об угасании интереса к позднеренессансному стилю маньеризма.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6437/8348743.1d/0_a4a42_e33efead_L.jpg

Самые большие, парадные комнаты в домах аристократии имели пристенные столы, почти всегда предназначенные для показа дорогих вещей. Самые изысканные образцы получали столешницы с pietra dura и резные, позолоченные скульптур-ные основания. Немецкий «серебряный» стол, изготовленный Альбрехтом Биллером в Аугсбурге для дрезденского двора (около 1715 года), сделан из ореха, покрытого серебряными пластинами с чеканкой и позолотой. Это один из немногих сохранившихся примеров невероятно дорогой серебряной мебели того времени. (о да, серебряная мебель Версаля - предмет особой гордости Людовика XIV - была пущена на переплавку, чтобы оплатить непомерные расходы на войну за испанское наследство. Прим. ОС)

http://img-fotki.yandex.ru/get/5646/8348743.1d/0_a4a44_2da665de_M.jpg

Прогресс стеклоделия означал, что зеркала могли быть больше по размеру, и вошло в моду располагать одинаковые зеркала над каждым пристенным столом в комнате. Элементы дизайна зеркал и столов повторялись в архитектурных чертах помещения, таких как архитравы дверей, окон и оформление каминов, что создавало единый стиль дизайна. Парные жирандоли и подсвечники размещались напротив зеркал, так что в них отражались их огни, усиливая степень освещенности помещения. Главной в Версальском дворце является Зеркальная галерея - Galerie des Glaces, призванная отразить весь блеск и великолепие французской монархии времен Людовика XIV. Ее роскошь первоначально еще больше усиливали сказочная серебряная мебель, 41 сверкающая люстра и позолоченные канделябры. Архитектором галереи был Шарль Лебрен, который был автором убранства многих залов дворца в Версале

http://img-fotki.yandex.ru/get/5628/8348743.1d/0_a4a45_e1876a16_M.jpg

Источник

3

Отправлено: 08.02.13 14:09. Заголовок: ЭПОХА БАРОККО (1600-..

ЭПОХА БАРОККО (1600-1730 гг)

Часть II

Около 1667 года Леонардо Ван дер Вине, краснодеревщик из Нидерландов, стал начальником в мастерских великого герцога Тосканского и, вероятно, ввел в употребление технику цветочного маркетри. Самый ранний из известных образцов так называемого бюро Мазарини был сделан в 1669 году Пьером Голлем, краснодеревщиком Людовика XIV. Это изделие выполнено из местных фруктовых пород, инкрустированных цветочным маркетри и проработанных гравировкой.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4137/8348743.1d/0_a4a46_dd7b4bff_M.jpg

Флорентийские столы и кабинеты, с их роскошной, многоцветной инкрустацией полудрагоценными камнями (pietra dura, что означает «твердый камень» - предполагает владение техникой мозаичной кладки из твердых и полудрагоценных камней), высоко ценились в XVII веке богатыми заказчиками. Флорентийские мастерские великого герцога, располагавшиеся в галереях дворца Уффици, были лидером в развитии техники pietra dura в мебели. Другие мастерские порой переманивали флорентийских умельцев, чтобы те могли научить своим приемам кого-то на стороне. В 1588 году Фердинанд I Медичи дал мастерским статус придворных, где надлежало делать и мебель, и мозаики. Заказы поступали на вещи как для резиденций великого герцога, так и для влиятельных ев-ропейских домов. Ассортимент включал как кабинеты и столешницы, так и шкатулки или архитектурный декор. В Париже Генрих IV и Людовик XIII основали собственные королевские мастерские при Лувре.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4135/8348743.1d/0_a4a47_d264e183_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/6437/8348743.1d/0_a4a48_2a8c8dfc_M.jpg

Типичным декором мебели барокко была резьба. В Генуе славились произведения скульптора Филиппо Пароди. Фантастически тонкой резьбой прославился венецианский мастер Андреа Брустолон (1662-1732), который был учеником Филиппо Пародии. Его изделия как бы завершают эволюцию форм итальянской мебели стиля барокко. Исполненная им мебель - большие кресла, столы, консоли, украшенные пышной резьбой, отличаются массивностью, величественными пропорциями. Больше всего он известен как создатель стульев с экстравагантной резьбой, выполненных скорее как произведения искусства, нежели удобные, функциональные предметы. Творчество Андреа Брустолоне во многом определило характер итальянской мебели первой половины ХVIII века.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6427/8348743.1d/0_a4a49_784fc9a2_M.jpg
На портрете - Гортензия Манчини, герцогиня де Мазарен

Свернутый текст

Выдающийся мастер Даниэль Маро (1661-1752), гугенот, архитектор, рисовальщик-орнаменталист, гравер и декоратор «Большого стиля». Даниэль Маро оформлял интерьеры дворца Хетт Ло, распланировал в регулярном французском стиле парк дворца Хэмптон Корт, оформлял интерьеры дворца, делал рисунки мебели, каминов, тканых обивок, резных деревянных панелей. Наиболее характерный прием художника - соединение мотивов маскарона, гирлянд и трельяжной сетки с картушами и барочным обрамлением. Стиль, созданный Д. Маро, в Англии в дальнейшем иногда называли «стилем Маро», или «Большим Маро».

http://img-fotki.yandex.ru/get/4119/8348743.1d/0_a4a4a_65d9c1ef_M.jpg

В Германии и скандинавских странах на протяжении всего столетия в зажиточных бюргерских домах оставались популярными Schranke - массивные, с тяжелыми карнизами гардеробы, напоминающие архитектуру малых форм. Они имели две створки над двумя ящиками. На севере их обычно делали из дуба, часто снабжая тяжеловесной резьбой; на юге, судя по всему, шли в ход прежде всего местные фруктовые породы и грецкий орех.

http://img-fotki.yandex.ru/get/5630/8348743.1d/0_a4a4b_28306054_M.jpg

К концу правления Людовика XIII стулья стали более удобными, сиденья - ниже и шире, а спинки стульев - выше. В мебели этого периода сделан большой акцент на тканях, несмотря на то, что мягкая мебель тогда была очень дорогой и только самые изысканные образцы имели тканевую обивку. Для дополнительного комфорта на деревянных сиденьях использовались подушки, и стулья, изготовленные для высшего класса, часто имели модную обивку, причем употреблялись бархат, дамаск, шитье и кожа. Ткань фиксировалась с помощью рядов латунных гвоздиков со шляпками, которые выполняли и декоративную роль. Под задней планкой сиденья и вдоль проножек стула добавлялась бахрома, предел декоративности. Подлокотники обычно были криволинейной формы, иногда снабженные мягким валиком. Ножки стульев выполнялись токарной резьбой, порой весьма сложной.

Обеденный стул Людовика XIII, входит во внушительный комплект из 12 стульев, сопровождаемых двумя креслами.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6425/8348743.1d/0_a4a4c_b4fb00b3_L.jpg

Мебель Людовика XIV служила выражению богатства и власти короля. Ис-пользовались роскошные материалы, вроде экзотических пород дерева, серебра и позолоты, панелей pietra dura, ввозимых образцов лаковых изделий и инкрустации по методу Буля. Маркетри «Буль» - это техника, предполагающая латунные вставки в поверхность черепаховых пластинок или эбенового дерева, или же наоборот, названа по имени Андре Шарля Буля, краснодеревщика Людовика XIV.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6426/8348743.1d/0_a4a4d_1b56edbc_M.jpg

В XVI-XVII веках огромные суммы денег расходуются на отделку интерьеров домов тканями и бахромой. Стены украшаются роскошными шелковыми и бархатными панелями, с вышивкой или серебряной и золотой бахромой по краям, а кровати и стулья обиваются богатейшими тканями. Римские интерьеры второй половины XVI века украшаются гарнитурами вместе со шторами. Квадратная форма дворцовой кровати остается в моде до 1800 года. В интерьерах эпохи Барокко огромные кровати с балдахинами на точеных колоннах, с занавесями и балюстрадами, как саркофаги стоят в центре комнаты перпендикулярно стене и занимают почти все свободное место. Во Франции придумывают более усложненные формы для приватных апартаментов или садовых павильонов, подобных Trianon de Porcelaine. Даниель Маро находит вдохновение в них, создавая парадные постели для английских королевских дворцов в 1700 году. Навершия в форме гребней и резные подголовники покрываются великолепными тканями с рисунками, схожими с работами Жана Берена.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4136/8348743.1d/0_a4a4e_7a8a2a50_L.jpg

Мануфактуры Гобеленов и Бове во Франции изготавливают огромные, во всю стену шпалеры и гобеленовую обивку для мебели, в том числе глазет. Ковер фирмы Гобеленов (фрагмент), композиция представляет короля Людовика XIV, принимающего посетителей (папского легата - прим. ОС) в своей парадной спальне, около 1670 года.

http://img-fotki.yandex.ru/get/5630/8348743.1d/0_a4a4f_bc5c8316_M.jpg

Глиняная посуда, как неглазурованная красная, подражающая китайской глине Йиксинг, так и с глазурью, очень распространена в 17-м веке. Джон Дуайт (1635-1703) в Лондоне, работая с красной глиной и пытаясь раскрыть секрет фарфора, создает изысканную глазурованную белую глину, которая используется для изготовления столовой посуды, бюстов и фигур в стиле Барокко.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4119/8348743.1d/0_a4a50_457d7f03_M.jpg

В начале XVIII века, благодаря экспериментам алхимика Иоганна Фридриха Бютгера (1682-1719) и его учи-теля Эренфрида Вальтера фон Тширнхауза (1651-1708) получена прекрасная красная керамика. Это произошло в Мейсене, в Саксонии, под покровительством Августа Сильного, короля Польши и электора Саксонии. Вещи украшались барочными мотивами по рисункам Жана Берена (1637-1711). Другие копировали современные серебряные и золотые изделия. Бенджамен Томе создавал небольшие бюсты и барельефы под влиянием изделий из слоновой кости и фигурок Комедии дель Арте.В результате дальнейших экспериментов, в январе 1710 года, на мейсенской фарфоровой мануфактуре создается фарфор из твердой пасты, то есть настоящий фарфор. Мейсенский белый прозрачный фарфор поступает на рынок в 1713 году. Его делают из белой обожженной глины из Колдица с добавкой полевого шпата, подобного китайскому петунце. Его обжигают, а затем покрывают тонкой глазурью из полевого шпата. Из фарфора производят чайную и кофейную посуду, делают небольшие гротеск-ные фигурки по рисункам Жака Калло (1592-1635), создают подражания китайским образцам blanc-de-Chine.И.Г. Хорольд (1695-1775) изобретает на основе металлических окислов яркие эмалевые краски в 1720 году. Их используют для изображения на посуде и вазах китайских сюжетов, экзотических цветов, созданных под влиянием востока, и сцен в гавани. С японских оригиналов копируют рисунки в стиле Какиемон. Многие из них создаются на цветном фоне.В 1727 году Август поручает И. Г. Киршнеру (род. 1706) сделать фигурки птиц и животных в натуральную величину. Ему помогает И.И. Кендлер (1706-75), поступивший на мейсенскую мануфактуру в 1731 году.Два мейсенских мастера уезжают в 1719 году в Вену; Клаудиус Инносентиус дю Пакье создает там конкурирующую мануфактуру. Изделия имеют форму металлических предметов Ближнего Востока, другие созданы в архитектурном стиле с расписным барочным декором.

http://img-fotki.yandex.ru/get/5636/8348743.1d/0_a4a51_8203989b_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/5629/8348743.1d/0_a4a52_af98c5d3_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/6426/8348743.1d/0_a4a53_33fc408a_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/4123/8348743.1d/0_a4a54_19b4d346_M.jpg

В XVII веке стекло становится общедоступным. Про-зрачное стекло, использующее более дешевые материалы и простые формы, производится еще в больших количествах.Венецианское стекло успешно имитируется почти во всей Северной и Центральной Европе. При этом богатых покупателей интересуют предметы из стекла оригинальных форм со сложнейшими украшениями. В Нидерландах высокие бокалы со сложными ножками в форме морских змей отвечали барочным запросам показной роскоши. Подобные предметы делают в Германии и Богемии. Производство Мурано отличают еще более усложненные формы и специальные эффекты. Например, традиционному халцедоновому стеклу (calcedonio) придавался эффект золотистых авантюриновых блесток, получаемых добавлением медного порошка. На флорентийской стеклянной мануфактуре, принадле-жащей семье Медичи, где работали исключительно венецианцы, придворные мастера создают фантастические бокалы и предметы для украшения центра стола во вре-мя роскошных приемов. 1700 год стал "лебединой" песней венецианского стекла, когда мода на сверхтонкое стекло элегантных и усложненных форм уступает во всей Европе более солидному стилю. В этот период стеклодувы Мурано создают свои самые сложные произведения. Парадные бокалы сочетают дутое филигранное стек-ло с сеткой (reticello) сложнейшего узора, изобилующего деталями из плавленого стекла, зачастую целых букетов цветов. Гравировка по стеклу, осуществляемая при помощи быстро вращающихся медных кругов, на которые наносился абразив, впервые использована при императорском дворе в Праге. Каспар Леманн (1565-1622), работавший там как гравировщик гемм и хрусталя, считается, первым использовавшим эту технику на стекле приблизительно в 1600 году. Декор вырезается на стекле, создавая матовое негативное изображение на фоне неукрашенных частей поверхности. Ученик Леманна, Георг Шванхардт, перенес круговую гравировку в Нюрнберг; там эта техника процветает в течение всего XVII века. Высокие бокалы с крышками в венецианском стиле украшаются детальными пейзажами и морскими видами, порой с аллегорическими сценами. В Потсдаме, около Берлина, под протекцией электора Бранденбурга с 1674 года работает стекольная мануфактура. Здесь знаменитый стекольщик Иоганн Кункель проводит свои опыты. Он получает темное рубиновое стекло, добавляя в исходный материал золотой порошок. Электор поручает гравировку знаменитейшим мастерам того времени - Мартину Винтеру (ум. 1702) и Готтфриду Шпиллеру (1663-1728). Они гравируют на массивных кубках с крышками и высоких чашах глубокого рельефа путти и виноградные гроздья.В конце последней четверти XVII века под покро-вительством дворов в Касселе (Гессен) и в Силезии появ-ляются другие центры гравировки стекла. Брат Мартина Винтера, Фридрих, имеет стеклорезное производство в Хермсдорфе, круги приводятся в движение водой (Силезия), там он создает ряд прекрасных образцов барочного стекла. Оно выдувается очень толстым, вся поверхность покрывается резьбой, основной рисунок выше глубокого резного фона. Тип резьбы, известный как Hochshnitt, об-ращается к пышному асимметричному цветочному декору. Вскоре рисунок упрощается, но асимметрия и глубокая гравировка распространены в Силезии до 1750 года.В Лондоне производство венецианского стекла налажено с конца XVI века, но импорт из Венеции продол-жается на протяжении XVII века. С 1670 года в Европе появ-ляется спрос на более толстое и прочное стекло. Успеш-ная попытка производства "особого вида стекла, напоминающего хрусталь" предпринята Георгом Равенскрофтом. Приблизительно в 1677 года он преодолевает начальные проблемы, связанные с хрупкостью стекла, добавив свинцовые окислы в исходный материал. В результате получено толстое бесцветное стекло, намного прозрачнее и чище предыдущего. Стекло Равенскрофта повторено в стекольных мастерских Британии, хотя стилистика пред-метов оставалась венецианской. Такое новое стекло обладало другими качествами при выдувании и резьбе. Оно дольше остывало и потому не годилось для детального декора. Квинтэссенция английского стиля зарождается в 1700 году, это простые формы, концентрирующие внимание на отражающих способностях чрезвычайно чистого свинцового стекла. У бокалов точеные резные ножки из плотного стекла. В Голландии в XVII веке гравировка стекла становит-ся любимым видом искусства, им увлекаются состоятельные dilettanti. Алмазным наконечником наносится линей-ный декор, который на фоне блестящей поверхности стекла кажется матовым. Параллельно с геральдическими и аллегорическими темами популярны сценки праздни-ков и выпивок. Каллиграфический декор особенно подходит для изогнутых поверхностей бокалов и графинов. Биллем ван Хеемскерк, лейденский торговец бельем, выгравировал сотни таких сценок в свободное время. Когда входит в моду свинцовое английское стекло, алмазное гравирование приспосабливается к новому материалу. Мягкая блестящая поверхность позволяет наносить декор пунктиром, каждое изображение состоит из тысячи точек. Центром пунктирной гравировки был Дордрехт, где в группу dilettanti входит художник Аерт Шуман. Практикуется и гравирование кругом, в основном профессиональными гравировщиками, прибывшими в Нидерланды из Богемии и Германии, где постоянно ощущается спрос на гравированные изделия.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6435/8348743.1d/0_a4a55_51c53f51_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/5624/8348743.1d/0_a4a59_25f5cfc9_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/5631/8348743.1d/0_a4a58_82d96ef3_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/4126/8348743.1d/0_a4a56_5469246b_L.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/5633/8348743.1d/0_a4a57_64293c7f_L.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/4122/8348743.1d/0_a4a5a_aa2b852d_L.jpg

Аурикулярный стиль (продолжение принципов изобретательности и виртуозности Маньеризма) в эпоху Барокко связан в среде ювелиров с семейной традицией, а именно с братьями Паулем (1568-1613) и Адамом (1565 -1627) ван Вьяненами из Утрехта. Пауль путешествовал по Европе, работая в дворцовых мастерских Мюнхена и при дворе императора Рудольфа II в Праге. Блюдо Его Высочества (исполнено а 1613 г.) и кувшин по пропорциям и мифологической теме типичны для Маньеризма, но абсолютно новым, просто революционным является объемное и абстрактное моделирование краев, ножек и ручки. Эти абстрактные качества моделирования, техническая виртуозность исполнения еще более проявлены в необычном кувшине, сделанном братом Пауля Адамом в 1614 г. Распространению стиля частично способствовало покровительство в 1630 году Карла I сыну Адама, Кристиану, а также издание последним серии печатных репродукций по рисункам отца в 1650 году. Абсолютные технические требования полного проявления Аурикулярного стиля, его отход от привычных вкусов поставили его вне сферы большинства покровителей и самих ювелиров, но в каких-то проявлениях он был влиятельным во всей Европе вплоть до конца третьей четверти XVII века.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4124/8348743.1d/0_a4a5b_2b78e22e_M.jpg http://img-fotki.yandex.ru/get/4124/8348743.1d/0_a4a5c_68ac2da6_M.jpg

Ювелир Пауль ван Вьянен, работающий в маньеристском стиле, располагает рисунок в центре блюда и чеканит сцены с точностью истинного златокузнеца. Ван Вьянен рассматривает блюдо как единый план, тема располагается вокруг вертикальной оси, подобно картине. Живописная манера исполнения проявилась в рельефе и более мягком подходе к воздушной перспек-тиве по сравнению с XVI веком. Оба аспекта стали про-тотипом основного направления барочного декора и ис-пользованы Питером Паулем Рубенсом в наброске маслом серебряного блюда для Карла I, 1630 год.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6443/8348743.1d/0_a4a5d_5dc78f5d_M.jpg

Королевское покровительство, оказываемое мануфактуре Гобеленов с 1663 года Людовиком XIV, приводит к однородности декоративного искусства. Цветочный стиль, отражающий интерес того времени к ботанике и прекрасно подошедший к полихромному маркетри на предметах мебели, применяется также в чеканных украшениях высокого рельефа на серебре, широко распространенном в третьей четверти века в большей части Северной Европы. Природа была источником вдохновения этого стиля; он менее других располагает печатными образцами; хотя его вариант, включающий путти и животных среди завитков листвы, стал популярен благодаря гравюрам Стефано Делла Белла и его имитаторов.

Одно из достижений стиля - декор из полихромной эмали, поднявшийся на небывалую высоту в Блуа и других центрах в третьей четверти XVII века. В основном этот вид искусства используется для футляров часов, но в XVII веке меняется технология изготовления часов, и футляры становятся круглыми, но их художественный уровень ценится настолько высоко, что многие из них сохраняются, переделанные в золотые табакерки в середине 18-го века.

http://img-fotki.yandex.ru/get/4124/8348743.1d/0_a4a5e_29db4998_L.jpg

В последней четверти XVII века во Франции вырабатывается классический стиль, в основном благодаря влиянию Шарля Лебрена, назначенного руководителем мастерских Гобеленов. Небольшое количество предметов королевского серебра того времени как бы конспективно предстает перед нами в строгой точности кувшина (1697), исполненного Николя Делоне, где орнамент сведен к классическим архитектурным и двухмерным геометрическим мотивам.

http://img-fotki.yandex.ru/get/6434/8348743.1d/0_a4a5f_b922a0c5_L.jpg

Распространению этого стиля за рубежом способствовала деятельность гугенота Даниеля Маро. Его задача облегчалась одновременным приездом в Британию тысячи беженцев - гугенотов, обладающих мастерством и навыками для применения радикально нового стиля и декора. Благодаря изобилию печатных работ по орнаменту, относящихся к этому периоду Барокко, стиль, вдохновленный архитектурой, проявился и в других сферах работы с металлом. Рисунками Маро пользовались не только мастера-серебряники, но и часовщики, мастера по работе с бронзой. Поэтому декор, присущий английскому и французскому серебру, мы видим в часах на консолях, осветительных приборах из золоченой бронзы и в парковых оградах. Как златокузнецы, так и другие мастера пользовались декорами и мотивами, созданными для других целей. Одной из самых популярных публикаций орнаментов конца XVII века стала серия рисунков кованых железных оград художника гугенота Жана Тижу (прибл. 1689-1712). Его самой знаменитой работой стали ворота Хемптон Корта; детали его рисунков широко используются в начале XVIII века, как в двухмерном, так и в трехмерном вариантах.

http://www.elitm.com/images/pictures/pic0135.jpg

Источник

4

Отправлено: 10.11.16 16:27. Заголовок: Часы, сделаные для м..

Часы, сделаные для молодого Людовика XIV, Париж, 1645-1648 гг

https://cs7056.vk.me/c637823/v637823978/238d7/N27TPzXI9kk.jpg


Вы здесь » Le Roi Soleil - Король-Солнце » Музей Искусств. » Барокко - стиль Эпохи Короля-Солнца